Máscaras africanas

As máscaras estão presentes durante todo percurso da história da humanidade. Elas foram várias vezes usadas pelas pessoas de forma cultural, cerimonial, religiosa, espiritual ou divina; como um meio de transmissão de histórias, crenças e culturas diversas.

Encontra-se gravada na caverna labirinto de Trois Frères, em Ariège, nos Pirineus, a primeira máscara que se tem registro. Segundo arqueólogos, datada do período paleolítico superior (30.000 a 10.000 a.C.), estaria voltada para um ritual de cura e caça associado à fertilidade.

Confira o uso das máscaras por diversos povos: na África em rituais religiosos, ritos iniciáticos e funerários; na Ásia, além dos rituais de cunho religioso, em celebrações festivas e cerimônias de casamentos; no Antigo Egito, em sacrifícios cerimoniais, na pós-vida: os egípcios adornavam as múmias com máscaras revestidas de pedras preciosas para que o morto fosse reconhecido no além; na antiga Grécia e na Roma, por volta do século V a.C., em festivais e teatros, sendo que a máscara da tragédia fazia referências à natureza humana e o controle do destino dos homens pelos deuses, e a máscara da comédia fazia uma alusão crítica à política e à sociedade; no Japão do século XIV, surge o teatro Nô, sendo bastante utilizadas como vestuário para esconder as características individuais dos atores; no Brasil, as tribos primitivas representavam elementos da natureza, como figuras de animais, insetos e aves.

Ainda hoje, no Brasil, elas estão ativas nos festejos carnavalescos e nas festas folclóricas e rurais, participando de forma efetiva no comportamento emocional e social das pessoas, ensinando princípios básicos da moral comunitária, perfazendo um elo entre o passado e o presente, entre o tradicional e o moderno.

Nas culturas indígenas, as máscaras representam forças espirituais que se buscam nos rituais místicos ou religiosos traduzindo os pensamentos participativos e os objetivos coletivos de toda a comunidade.

Segundo Schultze, as principais funções de uma máscara são:

• disfarce;
• símbolo de identificação;
• esconder revelando;
• transfiguração;
• representação de espíritos da natureza, deuses, antepassados, seres sobrenaturais ou rosto de animais;
• participação em rituais;
• interação com dança ou movimento;
• fundamental nas religiões animistas e
• mero adereço.

A máscara social se faz necessária enquanto artifício de adaptação para o convívio social. Representamos diversos papéis perante a sociedade que, de certa forma, podem ser considerados como máscaras comportamentais, como por exemplo: o bom filho, o funcionário eficiente, o namorado fiel, o jovem responsável, o aluno exemplar, o brasileiro lutador etc.

Zuleica Dantas (Apud Klein), antropóloga e pesquisadora, afirma que “o ato se mascarar é uma forma de se ir de encontro à moralidade estabelecida pela sociedade sem comprometimento do reconhecimento”.

Para Canhadas, as máscaras estão conectadas à nossa alma fazendo parte da nossa personalidade, porém, segundo o autor, não somos as nossas próprias máscaras, pois, “se não houver nada além da máscara, seremos parciais, incompletos, pedaços de Espírito e não um Espírito uno”.

Os super-heróis das histórias em quadrinhos e/ou do cinema, utilizam uma máscara para esconder uma identidade secreta. Sem a máscara, a segurança de seus amigos, familiares ou a sua própria poderia estar comprometida.

Nas comunidades virtuais da Internet, o uso de nicknames nos chats e salas de bate-papo também pode ser considerado como uma forma de se mascarar, ora escondendo ora revelando a personalidade do internauta.

Vimos que as máscaras podem ser objetos de estudo e relacionam-se com as várias categorias do conhecimento humano, assim como a Arte que se relaciona com a História, a Antropologia, a Sociologia, a Psicologia e a Filosofia. Dando-nos uma contribuição para uma aproximação, através dos seus estudos e da sua história, entender o que seja a própria Arte.

A seguir, cito algumas obras e alguns artistas das Artes Visuais que trabalharam ou foram influenciados pelas máscaras:

Máscaras da Bahia - Aristides Alves

Máscaras da Bahia é uma série de fotografias de máscaras feitas ao longo de quatro anos pelo fotógrafo, e também jornalista, Aristides Alves, em festas populares e religiosas de Salvador e do interior baiano. Ele desenvolveu intensa atividade cultural no campo da fotografia com um caráter antropológico, buscando detectar e valorizar as tradições culturais e religiosas da Bahia.

 

Alves, Aristides. Zamiasunga/Máscaras da Bahia, 1997, matriz-positivo, coleção do artista.

Máscaras Sensoriais - Lygia Clark

As Máscaras Sensoriais de Lygia Clark eram confeccionadas utilizando-se deferentes materiais com o objetivo de levar sensações diversas a quem as vestisse. Orifícios no lugar dos olhos continham diversos materiais costurados. Próximas ao nariz, colocavam-se ervas com cheiros característicos e, junto ao ouvido, objetos que produziam sons. Dessa forma, os sentidos como visão, olfato e audição, eram aguçados. O intuito era realizar uma experiência solitária na busca pelo autoconhecimento.
  

Clark, Lygia. Máscaras Sensoriais, 1967. Artistas com as máscaras.

Clark, Lygia. Máscaras Sensoriais, 1967.

Máscaras Sociais - James Ensor

James Ensor foi um pintor conhecido por suas críticas sociais por meio de seus desenhos e pinturas de máscaras e multidões. Para ele era “um ponto de vista filosófico a hipocrisia dos rostos, as suas tentativas de esconder seus interesses, seu engano”. Com o uso da luminosidade e de cores fortes, Ensor pintou telas que chocaram as pessoas da sua época, com uma mescla de política, sociedade e, em outras obras, religião.

Ensor, James. A intriga, 1890, óleo sobre tela.

Máscaras Africanas - Pablo Picasso

No início do século XX, Pablo Picasso conheceu a arte africana. Por influência dessa arte, o pintor, escultor e desenhista, se torna uns dos percussores do movimento artístico Cubismo, abandonando a ideia de que a arte é a imitação da natureza. Dessa forma, afasta noções como perspectivas e modelagem. Um de seus quadros mais famosos, desse movimento artístico, é Les Demoiselles d'Avignon. Claramente, dá para se notar a influência das máscaras africanas nessa obra.

  Picasso, Pablo. Les demoiselles d'Avignon, 1907,
pintura, óleo sobre tela (detalhe) e Máscara africana.

Picasso, Pablo. Les demoiselles d'Avignon, 1907, pintura, óleo sobre tela 1907. 

Disse Picasso sobre as máscaras africanas: "Senti que eram muito importantes ... As máscaras não eram apenas peças esculpidas ... Eram magia".

Assim, pudemos constatar o alcance das influências atribuídas às máscaras na pintura, na escultura, na fotografia e nos objetos artísticos. E essas relações estabelecidas entre os autores e suas obras podem ser de caráter individual ou coletivo, com identificação ou distanciamento, de forma crítica ou benevolente. 

Confecção das Máscaras

Pensando na acessibilidade em relação aos materiais e a facilidade técnica para execução do trabalho, utilizaremos o balão como molde e o jornal como material de construção inicial. 

A utilização do balão deve-se a sua forma oval semelhante a uma cabeça humana e o papel jornal à sua flexibilidade e aderência ao molde.

Vídeo:

Título: Vídeo da Oficina de Máscaras
Técnica: papietagem com balão.
Duração: 00:07:09
https://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=317tX3WqJxA

Materiais:

Para a confecção da máscara utilizaremos:

Jornais, papel sufite A4, lápis, lápis de cor, um balão, estilete, tesoura, cola, cola quente, tintas de diversas cores, pincéis variados, recipientes e potes para misturar a tinta ou a cola e pequenos objetos, como por exemplo: cordões, botões, sementes, entre outros.

Recado às crianças, antes de começar: chame um adulto para ajudar com o uso do estilete e da cola quente.

Projeto:

Numa folha de sufite, faça o desenho da máscara que deseja confeccionar.

Destaque as áreas com tons escuros e claros indicando os locais que terão volume.

 

Depois, faça um estudo das cores:

Papietagem:

Momento de iniciar a confecção da máscara na sua parte estrutural.

Encha o balão de ar e amarre bem firme. Procure utilizar um balão de boa qualidade.

Rasgue o jornal em pequenos pedaços, sem o uso de tesoura para a melhor junção das fibras.

Despeje a cola em um pote vazio e misture com os pedaços de jornal até obter uma substância pastosa.

Com o auxílio de um pincel macio, esparrame de leve e com cuidado a cola sobre a superfície do balão.

Fixe um pedaço de jornal, esparramando bem a cola.

Faça isso sucessivamente até preencher uma camada de jornal cobrindo todo o balão.

Pedaços de jornal maiores agilizam o trabalho, porém, os menores darão um acabamento mais liso à superfície.

Repita o procedimento até completar de 4 a 6 camadas no mínimo.

Após terminar, aguarde o tempo para secagem que pode variar de horas a dias dependendo do local e da temperatura ambiente.

Recorte:

Depois de seco, utilize um lápis (ou caneta) para riscar o balão ao meio.

Com a tesoura (ou estilete) corte o balão ao meio para obter, obviamente, duas metades.

Desenhe os traços principais da máscara que fez no projeto inicial.

Com a tesoura (ou estilete), recorte as áreas que julgar necessário, como por exemplo, os orifícios dos olhos, da boca e do nariz. Você também poderá recortar a parte inferior do balão para ter uma máscara mais a redonda.

Abaixo, o resultado do recorte para essa máscara. Foram recortadas as áreas dos olhos e a parte inferior.

Nessa etapa, pequenos cortes indesejáveis podem ser corrigidos a tempo com um pedaço de jornal e cola.

Modelagem:

Pique o jornal em pedaços bem pequenos e misture junto com a cola para criarmos uma massa para a modelagem.

Quanto menor for picado o jornal, mais lisa será a superfície da máscara.

Pode ser adicionada água, tanto na etapa da modelagem quanto da papietagem, obtendo um maior rendimento do uso da cola. Porém, o tempo de secagem será maior.

Faça os volumes na face da máscara de acordo com o estudo realizado no projeto do desenho.

Resultado final da modelagem depois do tempo de secagem:

Pintura:

Inicialmente, cubra toda a superfície da máscara com uma tinta branca para criarmos uma base para a pintura. Se achar melhor, essa base também poderá ser feita com massa corrida, permitindo que depois de seca possa ser lixada, obtendo-se dessa forma, uma superfície lisa.

Na pintura, podemos ter diversos momentos para secagem da tinta.

Seguindo o estudo das cores que realizamos anteriormente, inicie o processo de pintura procurando acentuar os tons claros e escuros.

  

Caracterização:

Faça estudos dos pequenos objetos colocando-os sobre a própria máscara ao invés de utilizar o projeto no papel.

Um exercício interessante nessa etapa é você explorar bem o uso de materiais que estejam ligados ao seu cotidiano ou à sua personalidade.

Utilize a cola quente para fixar esses objetos. Tenha o cuidado para não danificar a máscara nesse procedimento.

Na foto abaixo, podemos observar que algumas mudanças poderão ocorrer desde a etapa do desenho do projeto inicial até a conclusão da confecção da máscara.

 Resultado final da confecção da máscara:

Trabalhos de Alunos

Abaixo, alguns dos trabalhos realizados pelos alunos que frequentaram as oficinas presenciais realizadas na cidade de Uberlândia - MG:

C. R.

 T. A.

 M. F.

 A. N.

 N. Y.

 L. B.

 G. S.

 A. F.

 A. D.

Design

Entendemos por design o empenho criativo relacionado à configuração, concepção, elaboração e definição de um objeto, uma imagem, entre outros, voltados a uma determinada função. Falando de uma forma mais ampla,o design é a solução para um problema. Podemos dizer que designer é a pessoa que projeta algo.

Design é, portanto, uma atividade criativa pela qual se projeta todo tipo de coisas, incluindo utensílios, vestimentas, peças gráficas, livros, máquinas, ambientes e também interfaces de programas de computador. É uma palavra de origem inglesa.

O design surgiu por volta de 1920, na Alemanha, na Escola de Bauhaus, fundada pelo arquiteto W. Gropius. A finalidade do design era produzir, industrialmente, com grandes tiragens, objetos esteticamente bonitos, com precisão de uso, preços baixos e de fácil acesso a todas as camadas da sociedade de consumo. Os objetos, além de serem funcionais, deveriam atender ao gosto do público e ao momento cultural. Na Escola de Bauhaus trabalharam artistas importantes, como os pintores Paul Klee e V. Kandinsky, os arquitetos Van der Rohe e W. Gropius.

Os produtos do design nascem de uma colaboração entre o desenhista projetista e a indústria. O objeto vem definido, projetado em todas as suas partes. É estudado o material, a forma (estética), a funcionalidade, a matéria-prima e o uso do produto em série.

Observe o esquema. Trata-se de um resumo das principais fases de procedimento do design.

As flechas indicam os diversos caminhos que podemos seguir para chegar ao design.

Assim, podemos definir cada passo como:

A - BRIEFING - RESUMO

Quando o cliente encarrega o desenhista de projetar alguma coisa, ele fornece um briefing, isto é, a informação, o uso a que se destina o projeto, como deverá aparecer e qual será o preço.

B - IDEIA

O desenhista pesquisa ideias para o projeto olhando livros, ou observando vitrines, ou imaginando.

C - PROCURA

O desenhista deverá saber como projetar, trabalhar e elaborar os detalhes do porta-CDs. Muitos livros são consultados. O desenhista procurará chegar bem próximo do pedido feito pelo cliente.

D - PRIMEIROS ESBOÇOS

As primeiras  ideias são esboçadas a mão livre. Vários esboços são feitos, até que se encontre uma ideia funcional.

E - MODELO

Fazer um modelo é uma simples prova para verificar se o projeto vai funcionar. Os desenhistas fazem o modelo em cartolina ou em outro material que possa expor ao cliente a sua ideia.

F - DESENHO EM PERSPECTIVA

Depois é feito um esboço, um desenho em forma de perspectiva. O desenho em perspectiva permite executar o desenho real (final) do objeto. Com esse tipo de desenho, o cliente terá a ideia quase que total do objeto pedido.

G - DESENHO TÉCNICO

Depois é feito um desenho  técnico, que fornece informações precisas sobre a grandeza e a forma do objeto a ser realizado.

H - FIM DO MODELO E PROJETO PRONTO

É o briefing executado, a última fase do design, quando a ideia tomou forma e o objeto encontra-se pronto para o uso.

RESUMO DE UMA CAMPANHA PUBLICITÁRIA

É elaborado o briefing, um documento com informações  fornecidas pelo cliente, que direcionam a agência na criação de uma campanha. Nele  se detalha como deverá se desenvolver o trabalho, determinando-se  o emissor, o receptor e a mensagem.

Durante a criação de uma campanha, os redatores, isto é, as pessoas que escrevem os textos, e o diretor de arte, responsável artístico pela propaganda, propõem, com outros colaboradores, diversas soluções, que são estudadas.

A partir daí, o projeto publicitário ganha forma e cresce em detalhes.

Outro importante aspecto para o sucesso de uma campanha é divulgá-la nos meios de comunicação adequados ao perfil do consumidor. Por essa razão vemos  revistas, programas de rádio e tevê direcionados para diferentes públicos, como crianças, executivos, surfistas, donas de casa, entre muitos outros.

Linha e design industrial

A linha industrial de produtos e o design têm  suas raízes na época em que cada comunidade humana começou a fabricar utensílios e a utilizar formas práticas que pudessem ser usadas com facilidade. Os primeiros objetos eram feitos com elementos da natureza, como ossos, ramos, peles de animais, etc., e foram fruto de um ato consciente, voluntário e espontâneo.

Com o passar do tempo e o avanço das  civilizações, da tecnologia, da indústria  e do comércio de mercadorias  e objetos, a técnica evoluiu muito, e o produto industrializado passou a substituir o artesanal.

William Morris (1834-1896) abriu uma fábrica de tecidos, cerâmicas, vidros, etc. Sua finalidade era provocar uma  crescente industrialização  desses produtos. Em oposição, surgiu o movimento denominado Arts and Crafts, com a finalidade de recuperar a linha artesanal, reviver valores  culturais perdidos, enfim, ocupar um lugar mais importante na sociedade, que se havia tornado muito consumista.

A enorme  quantidade de produtos nos mercados  consumidores  fez com que técnicos e artistas  estudassem novas formas de projetar objetos, atendendo ao gosto do momento.

O ser humano, pela sua própria natureza, gosta de mudanças e varia suas preferências, mesmo em relação a objetos industrializados. Ele aprecia  etiquetas, linhas, cores, enfim, quer se diferenciar dos outros para mostrar exclusividade.

Acima, temos a estrutura de uma poltrona feita por Ivo Pires Passuello, e a direita, temos a poltrona pronta. 

Em 1928, os modelos de carro feitos por Corbusier e P. Janneret anteciparam a série de carrocerias que dariam origem, tempos mais tarde, ao Volkswagen.

A função do design não é propriamente artística, mas, sim, de valorizar esteticamente o produto, mantendo sua importância e eficácia e garantindo a sua venda; ao mesmo tempo, comunica, por meio da imagem visual, a sua funcionalidade.

Alguns objetos de design atual

Veja abaixo alguns objetos cujo design é bastante atual.

Op-art

O ano de 1960 foi considerado pela crítica um ano significativo, com o início de revisões no sistema social, econômico, industrial e ecológico, que refletiram muito nas artes plásticas, levando-as a caminhos distintos. Um deles foi a op-art, expressão de origem inglesa - optical-art - que significa "arte óptica". Essa expressão se concentra na parte cinético-visual, estudando os estímulos visuais, produto da associação de cores, linhas, figuras geométricas planas e sólidas.

Seus principais expoentes (criadores) foram: Victor Vasarély (criador da plástica do movimento), Kenneth Noland (arquiteto), François Morellet ( pintor francês), Bridget Riley ( pintora francesa), Franco Grignani (pintor, gráfico e projetista italiano).

As obras trabalhadas com op-art apresentam diferentes figuras geométricas coloridas ou em preto e branco.

Esses desenhos, combinados de forma harmônica, provocam sensações ópticas e de movimento.

O artista Victor Vasarély visitando o Museu vasarély, em Paris. Foto de Alain Nogues/Sygma/Corbis/Latinstock.

Vídeo sobre Victor Vasarély e sua técnica de op-art, disponível em http://www.youtube.com/watch?v=48YFR2mNPF0. Acesso em jul/2012.

Reprodução de obra de François Morellet. Esfera trançada. Coleção particular de François Morellet.

Victor Vasarély. Composição. Coleção particular de Victor Vasarély.

CONHECENDO VICTOR VASARÉLY

Victor Vasarély nasceu em Pécs, Hungria, em 9 de abril de 1906.

Foi um grande pintor húngaro que se radicou na França, e foi considerado o pai da op-art. Optou pela arte geométrica construtivista abstrata. Seus trabalhos conduzem o observador a passar um bom tempo admirando suas obras, pois elas causam efeitos. Experimentou a transparência e as cores em suas obras, que apresentam círculos, quadrados e triângulos.

Viajou por muitos países e recebeu vários prêmios.

Observe alguns modelos de op-art:

Alguns trabalhos dos alunos:

Pintura Paranaense

 A primeira imagem que se tem notícia da cidade de Curitiba é uma pintura do francês Jean Baptiste Debret, datada de 1827. Ele produziu diversas obras que têm como tema as paisagens paranaenses na viagem que fez ao Brasil com a Missão Artística Francesa, entre 1816 e 1831. Foi só na segunda metade no século XIX que a vida social do Paraná se organizou e as artes passaram a se desenvolver no Estado. Nessa época, surgiu em Paranaguá a primeira pintora paranaense, Iria Correa, que teve destaque com a exposição de seus trabalhos em 1866. Em Curitiba, o português Mariano de Lima e o norueguês Alfredo Andersen, considerado o “pai” da pintura paranaense, introduziam as primeiras escolas de arte do Paraná. Nesse período, apareceram os primeiros registros históricos e culturais do Estado através das artes plásticas.

No Museu Paranaense, o terceiro do Brasil, inaugurado em 1876, pode-se acompanhar a história do Estado por meio de pinturas e objetos antigos, além do trabalho de pintores paranaenses. Obras de artistas que marcaram a história da pintura paranaense como Guido Viaro, Miguel Bakun e Alfredo Andersen podem ser vistas no MON – Museu Oscar Niemeyer, um dos maiores da América Latina. O acervo do MON conta também com obras de pintores de renome mundial como Tarsila do Amaral e Cândido Portinari.

O Paraná possui ainda muitos outros espaços destinados à exposição das artes visuais. Pode-se citar o CAM – Casa Andrade Muricy, o Solar do Rosário, a Casa de Artes Helena Kolody, o Centro Juvenil de Artes Plásticas e o Centro Cultural Solar do Barão. O Memorial de Curitiba, a Escola de Música e Belas Artes do Paraná e a Secretaria de Cultura do Paraná também reservam espaços para a exposição de obras.

Arte Paranaense

    Entre os séculos XVI e XIX, os viajantes que passaram pela região que hoje se chama Paraná registraram suas impressões em forma de pintura, porque, nesse período, ainda não existia a fotografia por aqui.

    O primeiro pintor a fixar morada no Paraná foi Guilherme Frederico Virmond. Chegando aqui em 1833, o alemão Virmond – que era poliglota, estudioso de zoologia e música e desenhista de charges – foi o primeiro a retratar a “gente paranaense”. São dele, também, as mais antigas charges que por aqui apareceram.

    A primeira escola de arte do Paraná, a Escola de Artes e Indústrias, foi criada pelo artista português Mariano de Lima em 1886. Apesar de não ter sobrevivido por muito tempo, esta escola foi muito importante para o desenvolvimento da Arte Paranaense, pois revelou artistas como Zaco Paraná e João Turin, que são reconhecidos até hoje.

    O pintor Alfredo Andersen teve grande importância na formação de diversos artistas que freqüentavam seu atelier. O próprio Alfredo Andersen foi considerado, posteriormente, “o pai da pintura paranaense”, tanto por sua obra artística quanto por suas propostas educativas.

Zaco Paraná

Jan Zack (1884 – 1961) era polonês e ainda criança veio residir no Brasil.

Em gratidão à terra que o acolheu, naturalizou-se brasileiro adotando o nome de João Zaco Paraná. De origem humilde, vendia suas próprias esculturas na estação de Restinga Seca, que se localizava no município de Porto Amazonas – PR (foi desativada em 1914). O banqueiro Sr. Solheid ficou maravilhado com suas obras e convenceu seus pais a deixarem o menino Zac passar a residir em Curitiba, para que completasse seus estudos. Estudou então na escola Mariano de Lima. Depois, com bolsa de estudos cedida pelo Governo do Estado, aperfeiçoou-se na Escola de Belas Artes do Rio de Janeiro e posteriormente em Bruxelas, e na Itália, na Escola Superior de Belas Artes.

João Turin 

João Turin (1878 – 1949) foi um menino de origens humildes. Sua família, de imigrantes italianos, desembarcou em Paranaguá em 1877.

Um ano depois, nasceu João Turin. Mais tarde, a família transferiu-se para o “friozinho” de Curitiba, onde desde cedo, João Turin exerceu vários ofícios: ferreiro, marceneiro, entalhador, escultor. Certa vez, disse: “a miséria, a fome e o frio me puseram em má situação que, se não fora o amparo de Zaco Paraná (colega na Escola de Artes e Indústrias), (...) auxiliando-me e comprando-me um sobretudo, certamente eu te-ria morrido de fome” [pois comprando um sobretudo, não lhe sobraria dinheiro para comprar alimentos]. 

Apesar de sua vida um tanto quanto difícil, freqüentou em Curitiba a Escola de Belas Artes e Indústrias do Paraná e o Seminário Episcopal. Mais tarde, foi para a Europa onde executou as obras: Exílio, Pietá (1912) e Tiradentes (1922), recebendo boas referências da imprensa francesa.

Chegou a trabalhar em um jornal (Le Martin) e como voluntário no Hospital 50 da Cruz Vermelha, no período da 1ª Guerra Mundial.

Lange De Morretes 

Lange de Morretes (1892 – 1954) além de artista foi também cientista e procurou a perfeição em ambas as profissões. Tornou-se internacionalmente conhecido em Malacologia (ramo da zoologia que estuda os moluscos).

No ramo das artes, tinha preferência pelo gênero paisagístico no qual fazia as representações com características ao mesmo tempo realistas e impressionistas. Além disso, manteve, até 1935, uma escola de desenho e pintura, onde tiveram início o escultor Erbo Stenzel, os pintores Arthur Nisio, Kurt Beiger, Augusto Comte, Waldemar Rosa e Oswald Lopes (pintor e escultor), entre outros. Mais tarde, por divergências políticas com Manoel Ribas, transfere-se para São Paulo, retornando ao Paraná somente em 1946, após a morte do mesmo, quando, com a ajuda de Bento Munhoz da Rocha, consegue colocação no Museu Paranaense e assim dá prosseguimento às suas pesquisas.

Em suas últimas obras transparece, porém, um grande pessimismo, que revela o estado depressivo que se encontrava o artista no final de sua vida. 

É curiosa uma história do artista, contada por Constantino Viaro, que certo dia, teria surpreendido os amigos afirmando: “Vou morrer no dia tal e gostaria de ser enterrado em Morretes, em pé, olhando para o Marumbi”. Ninguém levou o caso a sério, mas ele, para surpresa de todos, inexplicavelmente, morreu no dia marcado. As pessoas que o viram prever a morte chegaram a pensar em suicídio, mas depois essa hipótese foi descartada, ficando somente o mistério.

Falecido, então, a 20 de janeiro de 1954, a família satisfez seu último desejo, enterrando-o em pé, dentro de duas manilhas de cimento, com o rosto voltado para o Pico do Marumbi.

Guido Viaro: Pintura E A Preocupação Social 

Guido Viaro (1897 – 1971) nasceu na Itália, mas escolheu a cidade de Curitiba no Paraná para viver, por este motivo é tido como um artista paranaense. Além de pintor, foi também educador, lecionando arte para crianças e mais tarde na Escola De Música e Belas Artes do Paraná – EMBAP, o que resultou na criação do Centro Juvenil de Artes Plásticas, em Curitiba. Devido à sua paixão pela arte, Guido sentia muita vontade de viajar, já que assim teria a oportunidade de conhecer a arte produzida por várias culturas. Certa vez, quando saiu de casa a pedido de sua mãe, para comprar carne, encontrou um piloto de corridas que o convidou para ir junto com ele para Paris: “e lá se foi com o novo amigo para a terra que tanto desejava conhecer. Ficou três meses em Paris. Passou fome. Fez trabalhos alternativos, mas conheceu o grande e importante movimento artístico francês da época. Três meses depois, voltou para casa com o pacote de carne que a mãe tinha encomendado”.

  Guido Viaro chegou ao Paraná de passagem, para observar e retratar as belezas locais. Mas, em Curitiba, quando viu passar pela rua XV o grande amor de sua vida – Yolanda – mudou de ideia e ficou por aqui até o fim de sua vida.Em sua primeira exposição em Curitiba, era evidente a influência da Arte Moderna, nova para os conceitos da época que só admitiam o figurativismo acadêmico. Desta forma sua exposição não teve boa repercussão. Revoltado com seu insucesso, Guido fez uma nova exposição na qual mostrou quadros figurativos de pinheiros e aquarelas bem suaves, dentro do gosto da época. Esta exposição foi um sucesso total, tanto que todos os trabalhos foram vendidos. Indignado, publicou um artigo no jornal O Dia, “criticando a sua própria pintura, dizendo que aquilo não era arte, arte sim, eram os trabalhos que mostrara anteriormente. Devido à sua própria crítica, alguns vieram devolver os quadros comprados”. 

Este “ato de rebeldia” foi importantíssimo para o rompimento da Arte Paranaense com o passado e aceitação de uma linguagem artística mais contemporânea. Nesta direção, criou também a primeira Escolinha de Arte no Brasil, pois julgava que as crianças absorveriam melhor sua intenção artística. “A escolinha não tinha por objetivo fazer artistas, mas, sim, criar o gosto pela Arte mediante o conhecimento mais amplo de todo o processo criativo”. 

Em 1970, quando morreu sua amada esposa Yolanda, Guido Viaro definhou, não por doença, mas por tristeza, e “meses depois, veio a falecer, deixando a clara convicção de que, neste mundo e neste século, ainda existe gente sensível que morre de amor”.

 Alfredo Andersen: O Mais Paranaense Entre Os Noruegueses

Alfredo Andersen nasceu em Kristiansand na Noruega, em 03 de novembro de 1860. Ninguém sabe ao certo como se deu sua formação artística, o que se sabe é que em 1879, foi transferido para a Dinamarca e, em 1891, iniciou uma longa volta ao mundo. Nesta viagem, possivelmente tenha estado no México e posteriormente no Brasil. Depois, retornando ao Velho Mundo, conheceu quase todos os países europeus, indo visitar ainda a África e a Índia.

Ao retornar à América, com destino em Buenos Aires, houve um acidente de navio e este acabou por descer em Paranaguá.

Alfredo Andersen apaixonou-se de tal forma pelo Paraná, que aqui se casou com dona Anna Oliveira, indo viver em Curitiba em 1903, e, quando em 1927 foi convidado pelo governo norueguês para retornar à sua terra e lecionar na Escola de Belas Artes de Oslo, recusou o convite, pois já se sentia um brasileiro.

Aqui montou cursos de artes nos quais formou diversas gerações de importantes artistas paranaenses, destacando-se entre eles Lange de Morretes.

Alfredo Andersen veio a falecer dia 08 de agosto de 1935, vítima de uma broncopneumonia, mas sua obra pode até hoje ser apreciada no Museu Alfredo Andersen, em Curitiba.

Arte Paranaense

Pintura Paranaense

 A primeira imagem que se tem notícia da cidade de Curitiba é uma pintura do francês Jean Baptiste Debret, datada de 1827. Ele produziu diversas obras que têm como tema as paisagens paranaenses na viagem que fez ao Brasil com a Missão Artística Francesa, entre 1816 e 1831. Foi só na segunda metade no século XIX que a vida social do Paraná se organizou e as artes passaram a se desenvolver no Estado. Nessa época, surgiu em Paranaguá a primeira pintora paranaense, Iria Correa, que teve destaque com a exposição de seus trabalhos em 1866. Em Curitiba, o português Mariano de Lima e o norueguês Alfredo Andersen, considerado o “pai” da pintura paranaense, introduziam as primeiras escolas de arte do Paraná. Nesse período, apareceram os primeiros registros históricos e culturais do Estado através das artes plásticas.

No Museu Paranaense, o terceiro do Brasil, inaugurado em 1876, pode-se acompanhar a história do Estado por meio de pinturas e objetos antigos, além do trabalho de pintores paranaenses. Obras de artistas que marcaram a história da pintura paranaense como Guido Viaro, Miguel Bakun e Alfredo Andersen podem ser vistas no MON – Museu Oscar Niemeyer, um dos maiores da América Latina. O acervo do MON conta também com obras de pintores de renome mundial como Tarsila do Amaral e Cândido Portinari.

O Paraná possui ainda muitos outros espaços destinados à exposição das artes visuais. Pode-se citar o CAM – Casa Andrade Muricy, o Solar do Rosário, a Casa de Artes Helena Kolody, o Centro Juvenil de Artes Plásticas e o Centro Cultural Solar do Barão. O Memorial de Curitiba, a Escola de Música e Belas Artes do Paraná e a Secretaria de Cultura do Paraná também reservam espaços para a exposição de obras.

FONTE: Portal Bem Paraná

Arte Africana

Características da arte africana, exemplos, influências, obras de arte, elementos artísticos e culturais, máscaras de madeira, obras em ouro e marfim, as esculturas e pinturas, influências e arte afro-brasileira

Introdução 

A arte africana é um conjunto de manifestações artísticas produzidas pelos povos da África subsaariana ao longo da história.

História e características da arte africana 

O continente africano acolhe uma grande variedade de culturas, caracterizadas cada uma delas por um idioma próprio, tradições e formas artísticas características. O deserto do Saara atuou e continua atuando como uma barreira natural entre o norte da África e o resto do continente. Os registros históricos e artísticos demonstram indícios que confirmam uma série de influências entre as duas zonas. Estas trocas culturais foram facilitadas pelas rotas de comércio que atravessam a África desde a antiguidade. 

Podemos identificar atualmente, na região sul do Saara, características da arte islâmica, assim como formas arquitetônicas de influência norte-africana. Pesquisas arqueológicas demonstram uma forte influência cultural e artística do Egito Antigo nas civilizações africanas do sul do Saara. 

A arte africana é um reflexo fiel das ricas histórias, mitos, crenças e filosofia dos habitantes deste enorme continente. A riqueza desta arte tem fornecido matéria-prima e inspiração para vários movimentos artísticos contemporâneos da América e da Europa. Artistas do século XX admiraram a importância da abstração e do naturalismo na arte africana. 

A história da arte africana remonta o período pré-histórico. As formas artísticas mais antigas são as pinturas e gravações em pedra de Tassili e Ennedi, na região do Saara (6000 AC ao século I da nossa era).   

Igbo-Ukwu: arte  africana em bronze

Outros exemplos da arte primitiva africana são as esculturas modeladas em argila dos artistas da cultura Nok (norte da Nigéria), feitas entre 500 AC e 200 DC. Destacam-se também os trabalhos decorativos de bronze de Igbo-Ukwu (séculos IX e X) e as magníficas esculturas em bronze e terracota de Ifé (do século XII al XV). Estas últimas mostram a habilidade técnica e estão representadas de forma tão naturalista que, até pouco tempo atrás, acreditava-se ter inspirações na arte daGrécia Antiga.

Os povos africanos faziam seus objetos de arte utilizando diversos elementos da natureza. Faziam esculturas de marfim, máscaras entalhadas em madeira e ornamentos em ouro e bronze. Os temas retratados nas obras de arte remetem ao cotidiano, a religião e aos aspectos naturais da região. Desta forma, esculpiam e pintavam mitos, animais da floresta, cenas das tradições, personagens do cotidiano etc. 

Chegada ao Brasil 

A arte africana chegou ao Brasil através dos escravos, que foram trazidos para cá pelos portugueses durante os períodos colonial e imperial. Em muitos casos, os elementos artísticos africanos fundiram-se com os indígenas e portugueses, para gerar novos componentes artísticos de uma magnifíca arte afro-brasileira. 

Cinema e Arte Cinematográfica

O mais aperfeiçoado aparelho de projeção cinematográfica do século XIX foi o Lumière (1895), antecedido por outros mecanismos, como a roda Faraday (1830), o fenacistoscópio de Plateau (1832), o estroboscópio de Stamfer (1833) e o zootrópio de Harner (1833), aperfeiçoado e superado pelo cinemascópio.

As descobertas fotográficas foram um passo decisivo para a cinematografia.

Em 1870, o fotógrafo inglês Edward James Mybridge construiu o zoopraxinoscópio, um aparelho que projetava sucessivas imagens de animais. Em 1888, surgiu com Reynaud o praxinoscópio, projetor dos primeiros desenhos animados.

Em 1891, Demeny lançou o fotofone e, nesse mesmo ano, Edison construiu e patenteou o cinetoscópio, aparelhou cujo elemento essencial era o filme de celuloide perfurado, fabricado na América do Norte por George Eastman e Goodwin. Em 1894, o cinetoscópio foi levado a público, em sessão especial, em Nova York.

A 28 de dezembro de 1895, os irmãos Auguste e Louis Lumière expõem ao público a sessão cinematográfica Saída da fábrica, pelo preço de um franco por sessão, no porão do Grand Café, no Boulevard dos Capuchinhos. Tão perfeito era esse aparelho que foi considerado o protótipo dos modernos aparelhos cinematográficos.

Quando o cinema ainda era mudo, na França, o primeiro grande produtor de películas cinematográficas foi Georges Méliès, que iniciou sua carreira como cineasta, projetando películas de cinetoscópio no Teatro Robert-Hodin de Paris. Produziu mais de quatro mil filmes, tornando-se famosos O couraçado de Maine (1898), Dreyfius (1899), Pigmaleão e Galatea (1900), entre tantos outros.

Projetor Lumière, considerado o primeiro projetor cinematográfico moderno do mundo. Getty Imagens.

O precursor do atual cinema foi o francês Abel Gance que, em 1927, adotando três câmaras para projetar um só filme, lançou Napoleão. Em 1921, Lee De Forest introduz o cinema falado (filme sonoro). O primeiro filme sonoro, em preto e branco, datado de 1927, com o nome de D. Juan, foi apresentado em Nova York a 5 de agosto de 1927.

Após várias experiências, a Kodak lançou em 1925 o Kodacolor, em 16 mm. A partir de então, vários sistemas apareceram, aperfeiçoando-se a técnica do cinema colorido. A partir daí, o cinema evoluiu em tecnologia e produção, sendo o maior centro cinematográfico do mundo Hollywood, subúrbio de Los Angeles, arrendado em 1913 por Cecil B. Mille e Jesse L. Lasky.

Avatar, produzido em 2009, é filmado inteiramente em 3D. Um marco tecnológico da história do cinema. Divulgação/20th Century Fox.

 Linguagem cinematográfica

A linguagem cinematográfica é complexa e utiliza técnicas próprias. O resultado é um produto com características específicas, que reúne palavras, sons e imagens em movimento.

Os elementos principais da linguagem cinematográfica são: o enredo, a ambientação, a sequência, as cenas, o enquadramento, as personagens, a trilha sonora, a montagem e os efeitos especiais.

ENREDO

No cinema, assistimos a uma projeção cinematográfica de cerca de duas horas. A narração de uma história, portanto, é muito importante, assim como o enredo, para prender a atenção do espectador.

AMBIENTAÇÃO

Num filme, veem-se muitos ambientes, novos, conhecidos ou desconhecidos. Alguns, apesar de parecerem reais, são apenas cenários feitos nos estúdios cinematográficos. É difícil um filme passado sempre no mesmo lugar.

Os filmes são dinâmicos e, geralmente, apresentam muito movimento e muitas cenas.

SEQUÊNCIA E CENAS

Os elementos que indicam o tempo e o lugar da narração determinam a necessidade de se subdividir a história em sequências e unidades (cenas). Os atores trabalham ações sucessivas, compostas de cenas enquadradas em ambientes. As sequências de um filme se desenrolam em tempos e lugares diversos.

ENQUADRAMENTOS

São os pontos  de vista pelos quais são retomadas cenas com os atores  e as filmagem.

REPRISE

As reprises relativas às personagens são chamadas planos e se dividem em:

• figura inteira (FI) Z - o ator, nesse caso, ocupa toda a tela do cinema;
• plano americano (PA) - o ator ocupa a tela até a metade dos joelhos;
• plano médio (PM) - a personagem aparece do tórax para cima;
• primeiro plano (PP) - usado nos diálogos. As personagens aparecem da cabeça até o busto;
• primeiríssimo plano (PP) - aparece só o rosto do ator, que praticamente ocupa toda a tela.

DETALHES 

São usados tanto para a figura humana como para objetos, chamando a atenção do espectador para o que se quer apresentar.

CAMPOS

São as reprises que ilustram um espaço mais ou menos amplo, distinguindo-se pela ampliação e enquadratura da cena. Podemos classificá-los em:

• campo distante - a máquina de filmar fica bem distante da personagem. O fundo é tomado por um grande panorama ou detalhes.
• campo longo - a figura humana é colocada num campo muito distante e amplo, porém reconhecível. Neste caso, a filmagem e o ator se enquadram.
• campo médio - os atores representam no centro da cena, ocupando a metade da enquadratura.
• campo total - é usado para enquadrar atores que se encontram em outros planos que não o central (figurantes).

TRILHA SONORA

Serve para complementar e acompanhar a narração. A música deverá causar impacto nos espectadores de acordo com o que está sendo visto.

MONTAGEM

Um vez terminadas as reprises, o filme passa para a montagem, fase delicada e de muito trabalho.

É durante a montagem que as cenas são selecionadas (algumas são eliminadas) e enquadradas no roteiro final.

O ritmo narrativo, a trilha sonora, a sequência das cenas é que vão dar ao espectador um filme vibrante e atraente.

Os gêneros cinematográficos

Existem diversos tipos de filmes, por exemplo:

Guerra - traz histórias em que as personagens estão envolvidas em guerras e a filmagem é um verdadeiro campo de batalhas;

Histórico - mostra fatos da história através de documentos concretos, verídicos. Por exemplo: a vida de D. Pedro I, de Napoleão Bonaparte e outros;

Suspense - comum em filmes policiais, cada cena é motivo de suspense;

Comédia - tem como marca o clima alegre e geralmente, se há um romance, ele acaba bem, ou seja, tem um final feliz;

Terror - caracteriza-se por enredos de medo, pavor, horror;

Naturalista ou Documentário - apresenta aspectos da vida animal, vegetal ou algum documento histórico significativo;

Western - narra as aventuras de cowboys (vaqueiros norte-americanos), indígenas, pistoleiros, xerifes, etc.;

Aventura - contém cenas de emboscadas, improvisos, fugas, sequestros e fatos inesperados. Em geral, têm como tema países exóticos como a África, a Ásia e o Extremo Oriente.

Fantasia - geralmente, aborda temas do espaço cósmico, planetas distantes, galáxias habitadas por seres extraterrestres, etc.;

Infantil - adequado a crianças, costuma ser produzido em forma de desenhos animados, com personagens que atraem o público infantil. Com o avanço tecnológico, esses desenhos têm se tornado cada vez mais interessantes e de grande audiência, inclusive fazendo sucesso entre adultos;

Drama - conta relatos sérios ou históricas que têm como aspectos principais a vida pessoal das personagens, abordando questões como dinheiro, felicidade e romance.

O filme A Dama de Ferro, de 2011, é do gênero Drama e Biografia. Divulgação/Paris Filmes.

Um pouco de cinema brasileiro

O cinema brasileiro deve muito a três nomes:

ALBERTO CAVALCANTI (1897): nascido no Rio de Janeiro, iniciou sua carreira como cenógrafo e arquiteto das produções de L. Hérbier, em Genebra, tornando-se posteriormente diretor. Tinha estilo de vanguarda. Foi contratado pela Cia. Vera Cruz, em 1945, e produziu Caiçara, Terra é sempre terra e Simão.

VÍTOR LIMA BARRETO (1906): iniciou sua carreira de cineasta como diretor de O caçador de bromélias e Fazenda velha. Contratado pela Cia. Vera Cruz, dirigiu um filme de curta-metragem, como tema de sua autoria, denominado Painel. Em 1952, foi premiado no Festival de Veneza com o filme Santuário e, em 1953, laureado em Cannes com o filme O cangaceiro. Em 1961, produziu A Primeira Missa, filme de que participou como ator e produtor.

ANSELMO DUARTE, cineasta, diretor e produtor brasileiro, foi premiado com a Palma de Ouro, no Festival de Cannes, em 1962, com o filme O pagador de promessas.

Cena do filme O pagador de promessas. Cinedistri/Embrafilme.