quinta-feira, 8 de maio de 2014

Perspectiva


Perspectiva - a representação do espaço

A perspectiva é um método de representação dos objetos, dos ambientes e das paisagens de modo a se aproximar bastante da realidade.

Em muitos casos, é mais importante perceber a forma de um objeto do que as suas dimensões, que são: largura, altura e profundidade.

Vamos supor que você queira desenhar uma máquina de lavar roupa. Certamente, usará uma folha de papel que possui duas dimensões (largura e altura). A folha de papel possui uma pequena espessura, que não é considerada uma grandeza confrontável.

A perspectiva consiste em desenhar em um papel de duas dimensões um objeto de três dimensões.







Rafael Sanzio. A Escola de Atenas, 1508-1511. Mural Rafael Sanzio.

O desenho em perspectiva surgiu na Itália, na época do Renascimento. Ao lado, arcadas da Praça de Parejas, em Aranjuez, Espanha.




Foto de Manoel M. Vicente

Regras da perspectiva

Perspectiva é, portanto, a arte que nos ensina a desenhar, isto é, a representar um objeto visto de um ponto determinado do espaço: o ponto de vista.

A posição dos olhos do observador é chamada de ponto de vista e se considera colocada a cerca de 160 cm do solo. De perfil, o solo é representado pela linha da terra.

Linha de terra, ou traço do quadrado, é a base inferior desse quadrado e a intersecção do quadro com a parte geométrica. Observe a figura abaixo:


Figura 01.

Para a execução da perspectiva, imagine que entre o objeto observado e os olhos do observador tenha sido interposto um plano transparente: o plano perspectivo (fig. 01).

PLANO PERSPECTIVO é aquele a partir do qual se imagina o desenho do objeto observado.

Dos olhos do observador se imagina que saia uma série de raios visuais, que alcançam o plano perspectivo; em particular, um raio que alcança perpendicularmente o plano no ponto P, o ponto principal (fig. 01).

PONTO PRINCIPAL é a projeção ortogonal do ponto de vista sobre o quadro, paralela à linha da terra.

Os feixes de luz saem dos olhos de forma cônica.

REGRA IMPORTANTE: na perspectiva, todas as linhas verticais das imagens conservam-se tantas quantas são no desenho.

As linhas horizontais convergem para o ponto de fuga ou ponto P.

PONTO DE FUGA é aquele situado sobre a linha do horizonte. Para ele convergem em perspectiva todas as paralelas, com exceção das linhas horizontais de frente.

Para se achar o ponto de fuga na linha do horizonte, faz-se necessário que a mesma seja colocada na altura dos olhos do observador; aí se encontra a linha do horizonte.

LINHA DO HORIZONTE (fig. 02) é aquela formada pelo encontro de um plano horizontal que passa à altura do ponto de vista com o plano vertical sobre o qual se projeta a imagem.


Figura 02.


É BOM SABER

A palavra perspectiva vem do  latim prospicere = olhar para a frente.

A perspectiva consiste em representar um objeto com um só desenho o mais próximo possível do que nossos olhos podem identificar.
  • Linha do horizonte. Varia de acordo com a posição do observador. Exemplos:

  •  Ponto de fuga. Exemplo:

Perspectiva cônica

A perspectiva linear, quando o centro de projeção é próprio, toma o nome de perspectiva cônica ou exata.

Perspectiva cavaleira

Quando a direção for inclinada em relação ao quadro, a perspectiva é cavaleira. É de  grande utilidade nos desenhos técnicos. Esta perspectiva consiste em situar planos e eixos paralelos em três dimensões do espaço: altura, largura e profundidade.


Perspectiva isométrica

A figura é representada como ela é na realidade, com uma aresta para o observador.

Usamos o eixo isométrico.



Algumas imagens de perspectiva:





















quarta-feira, 7 de maio de 2014

Textura


Podemos dividir o termo textura em duas partes: textura tátil e textura gráfica.

A textura tátil diz respeito à superfície que tocamos e a textura gráfica é a representação por meio do desenho dessas texturas de superfície, que podem ou não ser fiel ao objeto.

A textura tátil é aquela que podemos sentir pelo tato.

Observe estas imagens:



 Pilha de toalhas, 2010.


Cactos, 2010.


Grãos de areia, 2012.




Rua de pedra estilo colonial, Paraguai, 2011.


Pétalas de rosa, 2011.

Estas imagens causam sensações de tato apenas no olhar. Quando imaginamos alguma coisa já pensamos em como é seu toque e a sensação que causa.

Podemos também trabalhar a textura gráfica, criando o efeito da textura tátil de superfície.

Observe esses desenhos:

São circunferências que podem nos sugerir coisas diferentes. Por exemplo, podemos dizer que é uma maçã? Um novelo de lã? Uma bola de madeira? Ou a Lua?




 Observe depois de aplicarmos a cada uma delas uma textura gráfica diferente:

Agora sim podemos identificar cada uma delas...Interessante o que a textura gráfica faz com uma forma!





Veja alguns tipos diferentes de textura gráfica.










Estas telas foram pintadas usando textura, veja que efeitos interessantes.



Telas feitas pela autora Angela Anita Cantele.


Atividade:



domingo, 6 de abril de 2014

História da Arte - expressividade: luxo e riqueza - barroco


No século XVII, a Europa passou por momentos difíceis, caracterizados pela política absolutista e por problemas religiosos, como a Reforma e a Contra-Reforma. Foi o momento em que se consolidaram os Estados Nacionais europeus e, portanto, surgiram diversas escolas artísticas.

Foi novamente na Itália, porém, embora sob dominação espanhola, que surgiu o barroco, do espanhol barrueco.

O termo barroco exprime uma tendência geral de linhas curvas e quebradas, de abundância de detalhes e de visões cenográficas de grandiosos efeitos. Em sentido figurado, diz-se de toda forma muito extravagante e excessivamente trabalhada.

O barroco teve muita força na arquitetura e na escultura, mas ganhou força também na pintura e em outros setores artísticos. Foi uma depreciação do estilo arquitetônico do Renascimento.

Arquitetura e urbanismo

Os grandes complexos urbanísticos foram favorecidos, bem como as construções de grandes igrejas, praças, oratórios e enormes jardins.

Dois arquitetos, Bernini e Borromini, animaram o cenário barroco da Itália.

A arquitetura, nesse momento, apresentava-se como uma reação às formas ordenadas do Renascimento. Apareceram curvas, arcos decorados, reentrâncias, jogos de luzes.


Praça de São Pedro, no Vaticano, projeto original de Bernini. Foto de Rolf Süssbrich.




Interior de igreja barroca. Altar da Igreja de Santa Maria, Vietnã, Áustria. Foto de Clemens Pfeiffer.

O interior das igrejas barrocas era sempre muito trabalhado, com paredes recurvadas, espaços revestidos de mármore, colunas douradas.

Esses dois arquitetos tinham caráter, cultura e gosto bem diferentes: Bernini era clássico; Borromini usava mais a fantasia.

Escultura

Também na escultura o barroco apresenta expressividade e gosto redundante.

Muita riqueza e materiais preciosos (mármore, bronze, prata, madeira) aparecem em inúmeras peças em alto-relevo, frisas, estátuas, fontes e jardins.


Estátua de Santa Teresa, 1645-1652. Mármore, esculpida por Bernini. Foto de Giovanni Dall'Ortto.

O barroco fora da Itália

Durante sua rápida difusão na Europa, a arquitetura barroca se caracterizou e diferenciou segundo a cultura e a tradição locais. Por Exemplo, na Espanha ela recebeu influência mourisca (árabe), bem diferente do barroco dos Países Baixo (Bélgica e Holanda).

História da pintura barroca

O século XVII foi, para a Europa, um período histórico conturbado, no qual os conflitos entre a igreja católica e a sociedade estão demonstrados na riqueza e na variedade das obras que ele nos legou.

A crítica social, certos preconceitos e o anticlericalismo atingiam até a arte.

Os artistas começavam a viajar muito, o que impedia a formação de alunos em seus ateliês.

O crescimento do comércio derrubou as fronteiras, tornando estreitas as relações entre os diferentes países.

A linha geral era expressar a arte, o que possibilitou a divisão em várias escolas com tendências diversas, mas definidas.

É novamente da Itália que se irradia uma corrente artística de ressonância europeia e mundial: o barroco.

O termo barroco exprime uma tendência geral de linhas curvas e quebradas, de abundância de detalhes e de visões cenográficas de grandiosos efeitos. Predominam no barroco as emoções e não a razão.

O barroco tem mais força na arquitetura e na escultura, mas também ganha bonitos efeitos na pintura. Os tetos pintados estavam em moda nesse período.

As obras exprimem uma visão trágica da realidade, apresentando formas exageradas e grandes efeitos de luz e sombra. Muitas personagens parecem flutuar no ar dos tetos: é o que se chama ilusionismo.





Castelo de Versalhes, símbolo do poder do rei Luís XIV (1638-1715), Rei-Sol da França. Fotos: Jean-Christophe Benoist.

Dentre os pintores barrocos italianos, destacamos: Caravaggio, Tintoretto e Andrea del Pozzo.

Michelangelo Merisi de Caravaggio (1571-1610) tinha um temperamento passional, amava a vida e a liberdade. Ele viveu apenas 38 anos, mas deixou fortes marcas de sua pintura. Trabalhou a luz e a sombra até com certo exagero.



Andrea del Pozzo. O triunfo de Santo Inácio. Afresco da Igreja de Santo Inácio, em Roma. Foto: Giovanni Dall'Orto.

Bélgica

A pintura flamenga de seiscentos praticamente foi aberta por Peter Paul Rubens (1557-1640), pintor e diplomata. Foi um grande retratista. Suas personagens aparecem pintadas com ricos trajes. Sua pintura é luminosa e sensual. Gostava muito de figuras mitológicas, históricas e religiosas. Procurou descobrir vários efeitos cromáticos, como, por exemplo, os efeitos da sombra obtida com cores quentes, que mais tarde serviriam como modelo para os impressionistas, como Delacroix.


Antoon van Dyck. Tríplice retrato do rei Carlos I, 1635. Óleo sobre tela.

Antoon van Dyck (1599-1641) viveu tempos na Itália e na Inglaterra. Retratou o rei e os nobres  da época. Sua pintura apresenta grande harmonia cromática e percebe-se em seus traços certa influência italiana.

Holanda

A pintura holandesa assume no seiscentos sua grandiosidade e maturidade. Predominam as obras de cavalete, de pequeno formato, pelas quais os ricos burgueses pagavam altos preços.

Destacaram-se Rembrandt, Frans Hals, Jan Vermeer, entre outros.

Rembrandt (1606-1669) foi um grande pintor e desenhista. Gostava de fazer retratos em grupo. Além de retratar as personagens, procurava penetrar no ambiente delas. Dava pinceladas firmes e usava cores quentes, pelas quais a luz que entra  no quadro, como na obra gráfica, aparece como uma misteriosa presença.

Pintou temas mitológicos, bíblicos e paisagens, uma novidade para a época. Os seus autorretratos são a sua dolorosa autobiografia. Depois de alguns anos de sucesso, o grande pintor morreu pobre e quase esquecido.



Rembrandt. A ronda noturna, 1642. Óleo sobre tela, 359 cm x 438 cm. Grande retrato coletivo ambientado em pleno dia. Rijksmuseum Amsterdã, Holanda.

França

Grande número de pintores se destacou, entre eles: Louis Le Nain, Georges de Lar Tour, Gallé Lorenese, Pierre Puget, Nicolas Poussin.


Louis ou Antoine Le Nain. Família de camponeses, 1640/45. Óleo sobre tela, 113 cm x 159 cm. Museu do Louvre, França.


Nicolas Poussin. O triunfo de Netuno e Anfitrite, 1610. Óleo sobre tela, 123 cm x 119 cm. Museu de Arte Philadelphia Coleção de George W. Elkins.

Espanha

A pintura espanhola na época do seiscentos está intimamente ligada à Contra-Reforma e à "Igreja Triunfante".

Dentre os pintores espanhóis, destacamos: Diego Velázques, Zurbarán e Murillo.

Diego Velázques (1599-1660) foi o mais célebre pintor da corte. Sua pintura era essencialmente espontânea e dela brotava uma espécie de realismo mágico. Soube trabalhar muito bem as luzes. Com suas técnicas cromáticas, ele deu início também ao impressionismo.

Suas grandes telas se encontram principalmente no Museu do Prado, em Madri, sendo uma das mais célebre o quadro As meninas (1656). Ele mostra personagens da corte com suntuosos vestidos.

Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682), segundo os críticos, foi menos dotado que Velázquez, udo pintando mas se distinguiu, sobretudo pintando crianças pobres.

Ainda no período do setecentos predomina o barroco, mas com uma forma mais expressiva, mais trabalhada em detalhes: é o estilo rococó. Rococó é uma palavra de origem francesa (rocaille) que significa "concha" em português. O termo rococó, para muitos historiadores, está dentro do barroco, no período de 1710 a 1780.

O rococó foi um estilo rico e muito usado pela classe dominante, que havia praticamente perdido o contato com o homem e com os problemas sociais que afligiam o homem da cidade.


Velázques. As meninas, 1656. Óleo sobre tela, 318 cm x 276 cm. Museu do Prado, Madri.



Bartolomé Esteban Murillo. O jovem medicante, 1650. Óleo sobre tela, 137 cm x 115 cm. Museu do Louvre, Paris.

Enquanto essa sociedade rica estava longe dos problemas sociais, um grupo de grandes pensadores e escritores (iluministas e enciclopedistas) preparava o panorama da Revolução Francesa, que viria a acontecer próximo ao final do século, mudando completamente a mentalidade social da França e do mundo.

As manifestações artísticas ( arquitetura, escultura e pintura) refletiram os contrastes sociais.











Atividade sobre História da Arte - expressividade: luxo e riqueza - barroco





Atividades:

1 - Descreva em linhas gerais a arquitetura do barroco.

2 - Cite o nome de um escultor do barroco italiano e suas obras.

3 - O que exprime o termo barroco? Mencione dois pintores do barroco europeu.

4 - Escreva o nome de um artista do barroco holandês e um do barroco francês.

5 - O que foi o estilo rococó?

6 - Explique a diferença entre o barroco mineiro e o baiano.

* Ler os textos: História da Arte- expressividade: luxo e riqueza - barroco e O barroco no Brasil. 

* Responder as questões. Em folha sulfite ou almaço. Individual. Com capa. Valor: 2,0.

* Entregar nas aulas semana que vem.